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2008-06-29T19:20:17+00:00

las secoyas en peligro

2008-07-28T09:09:11+00:00

a lucha por preservar las secoyas gigantes de la Sierra Nevada de
California empezó a finales del siglo 19 cuando el fundador del Sierra
Club, John Muir, solicitó y obtuvo el establecimiento del Parque
Nacional de las Secoyas. Más de 100 años después, el Presidente Clinton
estableció el Monumento Nacional de las Secoyas Gigantes para proteger
a casi la mitad de las secoyas gigantes que existen. Pero estos
monumentales árboles siguen estando amenazados. Miles de excursionistas, jinetes, pescadores, cazadores y
esquiadores visitan el Monumento cada año. Estos soberbios bosques
sirven de hábitat para el búho moteado de California, el martin
pescador del Pacífico, e infinidad de otras especies animales y
vegetales. Sin embargo, el nuevo plan de gestión del Servicio Forestal
incluye extensas explotaciones madereras en el Monumento bajo el
disfraz de "protección contra incendios."

El Parque Nacional de las Secoyas, adyacente al Monumento, ofrece
una opción más sensata. El Parque está restaurando el ecosistema de las
secoyas gracias al cuidadoso uso de los incendios controlados y la
práctica conservadora de eliminación de árboles pequeños.

Durante las últimas décadas el Servicio Forestal han progresado
considerablemente en devolver el ciclo de incendios naturales a este
ecosistema y en aumentar la regeneración de las secoyas, al tiempo que
ha evitado explotaciones madereras dañinas. El mismo sistema de gestión
debe aplicarse en el Monumento. Es por ello que el Sierra Club ha
solicitado que el Servicio de Parques Nacionales se haga cargo de
gestionar el Monumento.

LAOPERA

2008-07-28T09:11:03+00:00

a ópera es un género artístico que consiste en un
drama presentado en
escena con

música.El drama se presenta usando los
elemento típicos del

teatro, tales como escenografita,
vestuarios y actuación. Sin embargo, la letra de la ópera (conocida como
libreto), se canta en vez de ser hablada. Los cantantes son acompañados de
un grupo musical, que en algunas óperas puede ser una

orquesta sinfónica completa.

La ópera tradicional consiste en dos modalidades de canto:

Recitativo, declamación y

aria, esta última se refiere a
composiciones para voz solista. Composiciones cortas para voz solista
también se denominan ariosos. cada tipo de canto tiene
acompañamiento orquestal.

Los cantantes y sus personajes son clasificados de acuerdo a sus rangos
vocales. Los cantantes masculinos se clasifican en

bajo,

bajo-barítono (o

bajo cantante),

barítono,

tenor y

contratenor. Las cantantes femeninas
están clasificadas en

contralto,

mezzosoprano y

soprano. Cada una de estas
clasificaciones tiene subdivisiones, como por ejemplo: Un barítono puede
ser un barítono lírico, un barítono de carácter o un barítono bufo, las
cuales asocian la voz del cantante con los personajes más apropiados para
su calidad y timbre de voz.

Origen

La palabra ópera, significa "obras" en

latín e

italiano, el plural de opus,
sugiriendo que ésta combina los artes de canto coral y solo, declamación y
baile, en un espectáculo en escena. La primera obra considerada una ópera,
en el sentido comúnmente entendido, data aproximadamente del año 1597.
Esta fue Dafne, (obra actualmente desaparecida) escrita por

Jacopo Peri para una círculo elitesco de
humanistas

florentinos letrados cuyo grupo era
conocido como la

Camerata. Dafne fue un intento por
revivir la

tragedia griega clásica, como parte de la
amplia reaparición de la antigüedad que caracterizó al

Renacimiento. Un siguiente trabajo de
Peri,

Euridice, que data del año 1600, es
la primera ópera que haya sobrevivido hasta la actualidad. No obstante, el
uso del término ópera se inicia es a partir de mediados del

siglo XVII para definir las piezas de
teatro musical, a las cuales se les refería hasta ese momento con
formulaciones universales como Dramma per Musica (Drama Musical) o
Favola in Musica (fábula musical). Diálogo hablado o declamado,
llamado recitativo en ópera, acompañado por una orquesta o por una
escueta línea de bajo, es la característica fundamental del

melodrama, en el sentido original

Ópera Barroca

La ópera no se mantuvo confinada a audiencias cortesanas; en el año
1637, la idea de una "temporada" de óperas de asistencia abierta a todo
público, financiada por la venta de entradas, emergió en Venecia.
Influyentes compositores de ópera del

siglo XVII incluyen a

Francesco Cavalli y

Claudio Monteverdi, cuyo

Orfeo (1607) es la ópera más antigua
que todavía se representa hoy en día. Una siguiente obra de Monteverdi,

Il Ritorno d'Ulisse in Patria (1640),
también es conocida como una obra muy importante de los inicios de la
ópera. En estas primeras óperas barrocas, se combinaba la comedia con
elementos trágicos de una manera tal que desprendía una amplia
sensibilidad, lo que inició el primero de muchos movimientos reformistas
de la ópera, el cual fue asociado con el poeta Pietro Trapassi, conocido
como

Metastasio, cuyos libretos contribuyeron
a cristalizar el tono moralista de la

ópera seria. La comedia en la ópera
barroca estaba reservada para la

ópera bufa, en una tradición en
desarrollo separado que, en parte, se derivó de la

commedia dell'arte.

La ópera italiana estableció el estándar.

Libretti italianos fueron la norma,
incluso para compositores alemanes como

Händel que escribía para audiencias

londinenses, o

Mozart en

Viena, cerca de finales del

siglo XVIII

Bel Canto

El

bel canto era un estilo presente en la
ópera italiana que se caracterizaba por el virtuosismo y el adorno que
demostraba el solista en su representación. En la primera mitad del

siglo XIX el bel canto alcanzó su
nivel más alto, a través de las óperas de

Gioacchino Rossini,

Vincenzo Bellini y

Gaetano Donizetti

Ópera Francesa

En rivalidad con producciones importadas de ópera italiana, una
tradición francesa separada, cantada en

francés, fue fundada por el compositor
italiano

Jean-Baptiste Lully, quien monopolizó la
ópera francesa desde 1672. Las

oberturas de Lully, sus recitativos
disciplinados y fluidos y sus

intermezzos, establecieron un patrón
que

Gluck luchó por reformar casi un siglo
después. La ópera en

Francia ha continuado incluyendo
interludios de

ballet y una elaborada maquinaria
escénica.

La ópera francesa estuvo influenciada por el

Bel Canto de

Rossini y otros compositores italianos.

Opéra-comique

La ópera francesa con diálogo hablado es conocida como

opéra-comique, indistintamente de su
contenido. Ésta tuvo su auge entre los años 1770 y 1880, y una de sus
representantes más reconocidas fue

Carmen de

Bizet en 1875. La opéra-comique
sirvió como modelo para el desarrollo del

singspiel

alemán y puede llegar a asemejarse a la

operetta dependiendo del peso de su
contenido temático.

Grand Opéra

Los elementos de la

Grand Opéra francesa aparecieron por
primera vez en las obras

Guillaume Tell de

Rossini en 1829 y Robert le Diable
de

Meyerbeer en 1831. Se caracteriza por
tener decoraciones lujosas y elaboradas, un gran coro, una gran orquesta y
un número elevado de personajes.

Ópera Alemana

El

singspiel

alemán La Flauta Mágica de

Mozart se encuentra al frente de la
tradición de la tradición de la

Ópera alemana que fue desarrollada en el

siglo XIX por

Beethoven,

Weber,

Heinrich Marschner yWagner.

LA OPERA

Pese
a que rápidamente se difundió por todas partes, el embrión que fue la ópera primitiva
arrastró una existencia precaria durante los primeros treinta años de su vida.
Componíase este doble ancestro de una teoría, la pretensión de resucitar el ya
largamente olvidado arte dramático de la antigua Grecia, y una práctica, los
experimentos de drama y música del siglo XVI. Hoy día damos por descontado que la ópera
es una forma musical. En los primeros tiempos y hasta el siglo XVII la ópera era
considerada en primer lugar y fundamentalmente una forma literaria, siendo la música
apenas un elemento incidental añadido. Cuando examinamos las óperas primitivas es fácil
ver cómo se impuso esta idea. La palabra siempre tiene una mayor importancia y, sobre
todas las cosas, los compositores perseguían una declamación clara y correcta y además
la expresión musical de las ideas contenidas en la poesía. El énfasis sobre el texto verbal tiene sus raíces en el Renacimiento, que
asistió a un renovado interés por el mundo antiguo. Hasta entonces se había considerado
que la música de la antigüedad (de la cual sólo algunos pocos fragmentos han
sobrevivido) poseían mágicos poderes para conmover al oyente mediante el maridaje de las
palabras y de la música expresiva. En el siglo XVI los músicos fueron preocupándose
cada vez más por encontrar un lenguaje musical capaz de expresar de forma adecuada y
conmovedora los textos a los que acompañaban. Su nostalgia por el perdido arte musical de
la antigüedad condujo a una reacción contra la polifonía amanerada, frente al
contrapunto escolástico, contra la ingenuidad musical que apenas tenía nada que ver con
el sentido de los textos. En 1581, Vincenzo Galilei, el compositor y
teórico, padre del astrónomo, publicó por primera vez algunos de los escasos fragmentos
conservados de la música griega antigua, tres himnos de Mesomedes en la notación
antigua, que utilizó para fundamentar su aversión hacia lo que él veía como
pedantería polifónica.

Los estudios sobre el drama y la música en el mundo antiguo
se desarrollaron particularmente en el círculo de los artistas y los profesores, la
llamada "camerata", reunida en torno al conde florentino Giovanni Bardi, en las
décadas de 1570 y 1580. Vincenzo Galilei y el cantante y compositor Giovanni
Caccini pertenecían a este círculo. Poco más tarde, en la década de 1590,
empezó a reunirse otro grupo en el palacio del acaudalado comerciante conde Jacopo Corsi.
Además de tomar ideas estéticas de la antigüedad, los artistas de este círculo, entre
los que se contaban el poeta Otavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri,
hallaron inspiración en el drama pastoril, especialmente en Il
pastor Fido ("El pastor fiel"), de Giovanni Battista Guarini,
que, en lo que se refiere a la estructura del argumento, al contenido y a la técnica
poética, ejerció una influencia duradera en la ópera. Es importante observar que, pese
al gran interés mostrado por los intelectuales italianos hacia el drama y la música
antigua, las primeras óperas fueron pastoriles, no tragedias.

Jacopo
Peri como Orfeo en el estreno de su ópera Eurídice

(Biblioteca Nazionale, Florencia)

El primer fruto de la relación Corsi-Rinuccini-Peri fue la
representación de Dafne, considerada generalmente
como la primera ópera. El libreto de Rinuccini deriva del mito griego de la naturaleza
que habla de la bella ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en las Metamorfosis. El
dios del sol Apolo persigue a Dafne y la convierte rn árbol. El mundo mágico e idílico
de los dioses y los semidioses conjurado por Ovidio siguió atrayendo a libretistas y
compositores durante la temprana historia de la ópera. La música de dafne, gran parte de
la cual se ha perdido, la compuso Jacopo Peri, con unos pocos añadidos del conde Corsi.
Los fragmentos supervivientes permiten hacerse una idea de cómo debía sonar, con su stile
espressivo y su stile rappresentativo declamatorio. Esto mismo puede verse en
otra colaboración Rinuccini-Peri, un drama per musica titulado Euridice, representado el año 1600 para celebrar el casamiento
de Enrique IV de Francia y Maria de Medici. La asociación de la ópera con festividades y
manifestaciones de poder y grandeza se perpetuó en los teatros de los príncipes menores
y en los teatros de ópera subvencionados. Originalmente, la función festiva se derivó
de los intermedi, los interludios grandiosos y escénicamente espectaculares
insertados en los entreactos de las comedias que se representaban para celebrar los
acontecimientos domésticos importantes - coronaciones, nacimientos, bodas - en las vidas
de los príncipes italianos del siglo XVI.

Eurídice es la primera
de las muchas óperas basadas en el mito de Orfeo, el cantor y tañedor de lira tracio.
Eurídice, la esposa de Orfeo, muere a causa de la mordedura de una serpiente, por lo que
Orfeo desciende al Hades para rogar por la vida de Eurídice. Allí, su canto expresivo
mueve a compasión a los seres demoníacos y se le permite regresar al mundo con
Eurídice. Encontramos a Orfeo una y otra vez a lo largo del tiempo en la historia de la
ópera, incluyendo ejemplos cruciales como los de Monteverdi y Gluck. Se podría decir de
ella que es el prototipo de ópera. No es una coincidencia que Apolo, dios del sol y de la
música, y Orfeo aparezcan como personajes en las primeras óperas, un tema frecuente
acerca del poder de la propia música.

La mayoría de edad: Claudio Monteverdi

Claudio
Monteverdi fue el primer genio incontestable de la historia de la ópera. Sin un
conocimiento de la lengua italiana, las óperas de Peri y Caccini (que compuso la música
para la Eurídice de Rinuccini al objeto de rivalizar con la de Peri) presentan
obstáculos insuperables al oyente contemporáneo. No es este el caso de Monteverdi, como
muestran las recientes representaciones con gran éxito de sus tres óperas
supervivientes. Los modernos oyentes, ya sean expertos o profanos, quedan cautivados por
el modo en que Monteverdi era capaz de insuflar vida expresiva en sus personajes, son
arrastrados por el ímpetu dramático de sus obras y encantados por la riqueza y la
plenitud tonal de la música.Monteverdi nació en 1567, tres años después que
Shakespeare, hijo de un médico de Cremona, la ciudad de los constructores de violines.
Empezó a componer madrigales a una edad muy temprana y se fue a la corte de los Gonzaga
en Mantua, donde llegó a ser maestro di capella en 1601; no era un simple y vulgar
tejedor de notas sino un intelectual, insólitamente bien educado, sensible, coherente,
dueño de sí mismo y versátil. Vio enseguida las limitaciones y las posibilidades de la
nueva forma teatral. Su respuesta fue llevar a la escena, el 24 de febrero de 1607, en
Mantua, L'Orfeo, favola in musica, la primera ópera
en alcanzar un lugar permanente en el repertorio. El texto lo había escrito Antonio
Striggio, un funcionario de la corte. Diez años después de que el dramma per musica hubiera
venido al mundo, esta obra constituida en hito incide aún en el mito de Orfeo y tiene una
gran deuda con el tratamiento que dio Peri a la misma historia. La acción es presentada
por las alegóricas figuras bien conocidas de las obras y representaciones renacentistas.
Orfeo y Eurídice, recien casados, aparecen en un entorno idílico con ninfas y pastores.
Tras la muerte de Eurídice, conmovedoramente descrita por el mensajero, Orfeo se aventura
en el mundo inferior al objeto de rescatar a su amada. A causa de su amor infringe la
orden de no volver su rostro y mirar a Eurídice en el camino de retorno. Su esposa es
condenada al Hades de nuevo. Las óperas primitivas tendían a sustituir los finales
trágicos por finales felices y Orfeo no es una
excepción: Apolo aparece como un deux ex machina y conduce a Orfeo al Paraiso,
donde se reunirá para siempre con Eurídice. Los pastores celebran la apoteosis de Orfeo
con una danza. Habían nacido las reglas perdurables de una estructura dramática: el lieto
fine (final feliz) como requissito operístico; la alternancia de escenarios en fuerte
contraste (idilio, mundo inferior, paraiso), que se convertirá en un rasgo esencial de la
ópera barroca francesa; la combinación de recitativos y números independientes, coros,
danzas, números ariosos, ritornellos y danzas, canciones para varias voces. La orquesta
adquiere una mayor significación, caracterizando las escenas dramáticas y los
acontecimientos con su colorido y utilizando los instrumentos para efectos simbólicos. En
veintiseis pasajes instrumentales independientes su efecto es relevante en la medida en
que apoya e interpreta la acción. En la orquesta de Monteverdi había unos cuarenta
ejecutantes. La partitura no consigna todos los particulares; marca la tónica general sin
entrar en detalles. Por la época del Orfeo Monteverdi estableció los principios
de su nuevo estilo - seconda prattica como opuesta a la tradicional prima
prattica - Y afirmó que "el compositor moderno actúa sobre la base de ser fiel
a la realidad".

La siguiente ópera de Monteverdi se basó en la leyenda griega de Ariadna. Sólo
sobrevive un fragmento, el famoso y seminal Lamento d'Arianna
(1608), una efusión enormemente expresiva cantada por Ariadna tras ser abandonada por
Teseo, su amante, en la isla de Naxos. Cuando la cantante que interpretaba el papel de
Ariadna cayó enferma antes del estreno, Monteverdi introdujo una actriz: estaba más
interesado por la expresión verbal que por el canto bello. Monteverdi ensayó Arianna durante
cinco meses, iniciando así el hábito de la larga y completa preparación para lograr
representaciones modélicas. La corte de mantua celebraba también fiestas en las que
figuraban de manera preeminente óperas y ballets de Monteverdi.

El
Teatro Grimani de Venecia. Grabado en cobre de Vicenzo Maria Coronelli

(Museo Civico Corre, Venecia)

Durante esta época la vida de Monteverdi se ensombreció;
su esposa murió; hubo dificultades en Mantua; hubo un brote de peste; en 1618 empezó la
guerra de los Treinta Años; la ciudad de los Gonzaga fue saqueada en 1630 y ardieron
muchas obras inéditas de Monteverdi. Monteverdi se trasladó de Mantua, donde las
relaciones con el duque reinante se hicieron tensas, a Venecia, que pronto se convertiría
en un baluarte de la ópera. Allí, en 1613, fue designado director de música de la
Basílica de San Marcos, uno de los puestos musicales más importantes de Italia. En
Venecia fue donde tuvieron lugar las primeras representaciones de las últimas óperas de
Monteverdi. El héroe de Il ritorno d'Ulisse in patria (1641)
es Ulises, también llamado Odiseo, quien tras vagar largamente durante su viaje de
retorno al hogar de la guerra de Troya llega a Itaca y derrota a los pretendientes de su
esposa Penélope. L'incoronazione di Popea (1642) es
una de las primeras óperas históricas; llena de introspección psicológica e ironía,
es la historia de una cortesana que se casa con el emperador romano Nerón. Tras el mito
griego y la leyenda homérica la historia universal se apodera de la escena operística.
Alborea el realismo, aunque sea con vestidura clásica. Aparecen ya personajes cómicos;
esas figuras periféricas son retratadas con viveza y vigor, anticipando la opera buffa.
Monteverdi murió a una avanzada edad en Venecia en 1643.

Entretanto, la condición social de la ópera estaba
cambiando, convirtiéndose en un espectáculo musical dramático para el público en
general. Hasta entonces había estado reservada a la corte, era un asunto esotérico de
las clases nobles. Ahora, en marzo de 1637, el músico y administrador Benedetto
Ferrari abría el teatro San Cassiano en Venecia, un teatro de ópera abierto a
todo el que adquiriese una entrada. Todo el mundo concurrió a la maravilla de la ópera,
el portento que había estado reservado a las clases dominantes. Tan sólo dos años más
tarde Ferrari estaba en condiciones de abrir otros dos teatros de ópera. Pronto hubo
dieciocho en Venecia; recibían el nombre de las parroquias en que se hallaban situados.
La ópera se había convertido en un pasatiempo popular.

Escena
de una representación de la commedia dell'arte. Dibujo de Giuseppe Zocchi

(Galleria degli Uffizzi, Florencia)

En Roma hubo algunas quejas acerca de los
"aburridos recitativos" y el énfasis literario dominante. La nueva forma
artística se enriqueció con música en forma de arias y coros y particularmente con
elementos tomados del teatro renacentista, preseentando escenas religiosas y seculares,
espectáculos varios, desfiles carnavalescos y procesiones triunfantes (trionfi),
espectáculos alegóricos o bíblicos, interludios cómicos y commedia dell'arte.
El ansia de novedades de los italianos se hizo extensiva a la ópera; los excesos barrocos
de escenografía y tramoya estaban ya cercanos. Las costumbres piadosas fueron
secularizadas; los rituales litúrgicos quedaron reflejados en las numerosas escenas con
templos y sacerdotes, las procesiones religiosas en desfiles, coros masivos y cabalgatas.
La ópera conformó su ser en un país católico, donde la liturgia se impregna de
teatralidad, el ceremonial se confunde con la escenografía. La difusión más rápida
tuvo lugar en los vecinos países católocos de Francia y Austria. La ópera llegó a las
áreas de habla alemana a través de Viena, Salzburgo y Praga. El norte protestante
manifestó sus reservas. Sólo los grandes puertos y los centros comerciales, donde
soplaba un viento de libertad, le abrieron sus puertas a la nueva diversión. Por otra
parte, la Guerra de los Treinta Años había desvastado y empobrecido grandes zonas de
Europa. No fue sino hasta 1678 cuando se abrió el primer teatro de ópera en suelo
alemán; fue el Theater am Gänsemarkt (Teatro del Mercado de los Gansos) en la ciudad
libre hanseática de Hamburgo, una empresa privada sin subvención. Los teatros de ópera,
ya estuvieran en manos cortesanas o privadas, pronto hicieron el descubrimiento
fundamental de que la ópera es un entretenimiento caro que siempre anda balanceándose en
la cuerda floja de la bancarrota. Los muchos teatros que competían en Italia equilibraban
sus balances combinando sus actividades operísticas con mesas de juego, restaurantes y
otros servicios. Un ejemplo reciente de esto en nuestros días es en Montecarlo, donde
casino y teatro florecen bajo el mismo techo.

La
ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oido. Se
difundió por toda Europa pero su trayectoria triunfal fue seguida por dos siglos de
abandono, tiempo durante el cual fue denigrada por pasada de moda sin la menor esperanza,
falta de dramatismo, pomposa y vacía. El auge de la musicología a fines del siglo XIX
trajo consigo la exhumación de una obra tras otra y pasado el recodo del siglo la escuela
neobarroca, en reacción contra el drama musical wagneriano, sacó provecho de ello. El
nombre de Monteverdi resonó una vez más después de muchos años; tras la primera gran
guerra, las obras de Haendel volvieron a la escena por vez primera en Göttingen. Había
mucho que resucitar, aparentemente como vía de escape de la emotividad del romanticismo
tardío, pero un exponente del docorativo estilo vocal barroco, en verdad la estrella de
la ópera barroca, había desaparecido sin remedio: el castrato, el varón mutilado
que fue la creación extravagante y víctima del bel canto.

El
castrado Carlo Broschi Farinelli en un papel de mujer. Caricatura de Pierleone Ghezzi,
roma, 1724

(Kupferstichkabinett, Dresde)

Poco antes de que se desencadenara la epidemia operística, la ópera cómica,
que ya en fecha tan temprana como 1639 había recibido el nombre de "commedia",
fue "inventada" en Roma. La gente común plantó en el escenario musical, junto
con figuras tomadas de la commedia dell'arte, la música de Mazzochi y Marazzoli
con texto del cardenal Giulio Rospigliosi, el futuro papa Clemente IX. La ópera se
titulaba Chi soffre speri. Era de estilo realista,
pues la realidad es la piedra de toque de la comedia. Se imponía la verosimilitud, que
conducía al tratamiento psicológico de los personajes, que dejaban de ser rígidas
figuras estereotipadas. La opera buffa aportó al teatro musical una mirada
instrospectiva en la naturaleza humana, con sus debilidades, frustraciones y conflictos.

La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el
ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la
historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les
alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música. Había escenas corales pero
pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La
acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco"
-así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos- en tanto
que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales,
normalmente en una forma "da capo" (ABA). En su riqueza de coloratura, en su
capacidad para conmover y su belleza, estas arias tenían un brillo artificial y una
tendencia intrínseca hacia el manierismo. La armonía estaba concebida mucho más
verticalmente que en la era polifónica del Renacimiento. La partitura consistía
fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; de los clavecinistas y de los
tañadores de instrumentos pulsados se esperaba que improvisaran armonías partiendo de
las indicaciones escritas sobre la línea del bajo; de aquí el bajo continuo. La
orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerda que en ocasiones se
vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también
podían utilizarse instrumentos de metal. La ejecución era dirigida desde el clave, a
menudo por el propio compositor.

La primera ópera en alemán fue representada en 1627 en el castillo de Hartenfels,
cerca de Torgau; fue Daphne, con versos del poeta
lírico Martin Opitz y música de Heinrich Schütz, el más destacado
compositor barroco alemán anterior a Bach y Haendel. El libreto se ha conservado pero la
partitura se ha perdido, como las de las demás óperas de Schütz. Casi todas las óperas
de la época se representaron ligadas a celebraciones cortesanas, en particular bodas
principescas. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el
mayor efectismo. Los emperadores y los reyes, por no mencionar a los príncipes, eran
reflejados en la panoplia de la ópera, sus virtudes eran exaltadas y se mostraba su
magnificencia. Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando
la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En 1671 se
fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la grand opéra francesa.
En Versalles la grandeur del rey llegó a su cúspide. Se introdujo el ballet, en
buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín. La danza siguió siendo un
rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden
jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito.
La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully
(1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a
combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada
junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670),
que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La
tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en
la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un
estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente
compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los
números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente
cómica.

Vestuario
exótico de Les Indes galantes

(Bibliotèque Nationale, París)

Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del
compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos
los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados
contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los
temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la
música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con
los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en
una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una
sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux,
el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos,
influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto
poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera
de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.

La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la
Commonwealth (1642-1660). Cronwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones
públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración
en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare. Hubo
representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias
francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor
inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas,
ampliándolas con canciones, coros y bailes. Su única ópera propiamente dicha, Dido and Aeneas, representada en 1689 en un pensionado para
señoritas regentado por un maestro de baile en Chelsea, se aparta de esas semióperas y
mascaradas. Ópera de cámara, con cuarenta y cuatro números, escrita para un corto
número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet
y relata el desdichado amor entre la reina de cartago y el héroe troyano. Los breves y
melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de
la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender
a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento
d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.

No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un
baluarte del bel canto. Confiando en la capacidad de atracción de las estrellas
del canto, los empresarios privados tuvieron un éxito desigual al trasplantar a Londres
el florecimiento de la ópera en el continente. Uno de ellos fue Georg Friedrich
Haendel, que había nacido en la ciudad sajona de Halle en 1685, el mismo año de
Johann Sebastian Bach, y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759. Hijo
de un cirujano, tenía veinte años cuando alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am
Gänzemarkt de hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser
músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de
ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando
representó su ópera Agrippina con vestuario clásico. Llegó a Londres desde
Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera
para el teatro que dirigía. La obra final de Haendel es un puente entre el barroco
tardío y el rococó; Serse (Jerjes, 1738)
se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y
comedia. Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente
delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental. Se
apoya invariablemente en el vigor melódico del aria da capo y utiliza pocos
conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices, con solo
obligatos característicos. Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus
escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas (como el célebre
"Largo" de Serse) son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido.
En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación.
La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda
legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional. Las óperas
de haendel quedaron olvidadas durante casi doscientos años, pero sus oratorios bíblicos,
empezando en 1742 con Messiah, eran óperas irrepresentables adornadas con
vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como
modelos excelsos en su género.

El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que
andaban enredados primadonnas and castratos, los decorados ostentosos y el público
londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla. Por
instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The
Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones
populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher
Peppusch, un inmigrante de Berlín. Esta ingeniosa obra fue redescubierta en
1920; en 1928 proporcionó el modelo para la Dreigroschenoper de Bertold Brecht y
Kurt Weill.

El Rococó

El culto barroco a
la ópera tenía en sí mismo a su peor enemigo. Los cantantes, especialmente los castratos
se erigieron en déspotas. A los libretistas se les quemaban las pestañas de tanto
escribir. Alessandro Scarlatti (1660-1725), fundador de la escuela
napolitana, dejó ciento quince óperas, ciento cincuenta oratorios y alrededor de
siscientas cantatas. La autocopia, la producción masificada y el manierismo eran
inevitables. En realidad no había un repertorio; el público quería óperas recién
salidas de la pluma. Todo dependía de la scrittura, el nombramiento por parte de
un teatro. Los escritores andaban a la rebatiña para conseguirlo cuando eran jóvenes, y
una vez establecidos lo arrastraban como un pesado fardo.

Decorados
y escenarios barrocos para ópera italiana

(Museo del Teatro, Munich)

Gradualmente, Venecia, donde los compositores habían permanecido más o menos
fieles al austero estilo de monteverdi, cedió la supremacía a Nápoles, que era la mayor
ciudad de Italia a principios del siglo XVIII, con 300.000 habitantes, y,
consecuentemente, la ciudad con mayor exigencia de diversiones. La escuela napolitana se
puso pronto a la cabeza del género. Las diferencias con respecto a la veneciana eran
ligeras; el recitativo accompagnato (recitativo con acompañamiento orquestal) se
puso de moda, el aria da capo se fue haciendo más flexible, la ópera seria se
despojó de algunos de sus amaneramientos a pesar de que aún tendía a exagerar la
expresión emocional; el mérito especial del estilo italiano meridional fue su ligazón
con la commedia dell'arte, que aportó un esfuerzo hacia el realismo y la
introspección psicológica, de modo que las figuras estereotipadas resultaron más
humanas y aportaban más encanto sensual hacia la melodía y el color tonal. Sensualidad,
ingenio y comedia hicieron de la opera buffa napolitana un modelo que perduró
hasta Mozart, Rossini y Donizetti.

Por otra parte había surgido la costumbre de insertar intermezzi cómicos,
farsas, en medio del tono aceptado y marchito del estilo heroico de la opera seria,
tratando de dar cierta variedad a la diversión del público, que era bastante versátil
en cuanto a sus preferencias operísticas. Uno de estos interludios hizo historia en la
ópera convirtiéndose en el prototipo de ópera cómica, así como la causa involuntaria,
hacia 1755, de la "guerre des buffons" en París, entre los partidarios de la
ópera cómica italiana y los de la ya pasada de moda ópera francesa. Fue La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi
(1710-1736). En lo que respecta a la acción, esta pieza de cuarenta minutos de duración
deriva de la commedia dell'arte. La taimada doncella Serpina induce al anciano y
gruñón Huberto a casarse con ella y convertirla en la dueña de la casa. No hay más que
dos cantantes y un criado mudo y siete números musicales con recitativo secco,
pero los personajes están dibujados y desarrollados con un ingenio nuevo, con
sensibilidad y brevedad, mostrando la fragilidad humana. Esta partitura napolitana de 1735
apunta ya en línea directa hacia Mozart.

El periodo rococó se estaba iniciando, con sus formas elegantes, delicadas, su estilo
"galant" y su sentimentalismo. Su rocalla ornamental quedó fosilizada como
recurso establecido. En la música tuvo lugar un proceso de transición gradual. El bajo
continuo, ese tirano de estilo barroco, el basso continuo acompañado de armonías
expresadas en temas por encima de la línea baja, se batía en retirada paso a paso. Los
instrumentos para continuo fueron perdiendo importancia: sólo el clave se mantuvo como
soporte de los recitativos secco. Todo esto ocurrió de la mano de un cambio del
gusto. El contrapunto escolástico cayó en descrédito como un corsé pasado de moda. La
gente había yodo ya más que suficientes fugas, cánones y otros artificios polifónicos.
El rígido estilo de escritura se mantuvo más tiempo en la música religiosa. Como un
monumento al contrapunto, en sus últimos años Johann Sebastian Bach era objeto ora de
admiración, ora de irrisión. La sátira de Voltaire había tenido amplia difusión, al
igual que la máxima de Rousseau de que la salvación reside en el entorno a la
naturaleza. Los racionalistas franceses proclamaron que el objetivo del arte era
"imiter la nature". Esto no significa copiar o remedar los aconteceres naturales
sino más bien actuar como lo haría la naturaleza en un medio determinado.

La gente llevaban lunares en el rostro, vestía ropajes de pastoras y llevaba el
corazón en la mano. De este modo se acostumbraron a las sencillas y emotivas malodías no
trufadas por la coloratura. Como en los primeros días de la ópera, se adjudicó la mayor
estimación a la monodia, al canto sencillo con un acompañamiento vivaz, una voz que sale
del corazón antes que un virtuoso despliegue de destreza vocal. La grandeza del
compositor no reside en las estructuras contrapuntísticas esplendidamente ingeniosas sino
en líneas melódicas expresivas, subjetividad convincente e individualidad estilística.
Al estar más cercana a la realidad, la opera buffa empezó a destacarse, en tanto
que la opera seria se fue esclerotizando gradualmente hasta convertirse en el arte
de prestigio de las cortes. La ópera heroica sobre los temas griegos y romanos, ya en su
fase final, tuvo dos figuras con autoridad en medio de las hasta entonces poco
consideradas filas de los libretistas. Estos clasicistas extremadamente educados que
escribieron los textos para las últimas óperas barrocas eran pulidos versificadores y
maestros de las estructuras dramáticas que escribieron libretos puestos en música
repetidamente por compositores grandes y pequeños. Ambos fueron poetas cortesanos en
Viena: el veneciano Apostolo Zeno (1668-1750) y Pietro Trapassi (1698-1782), de Roma, que
se hizo llamar Metastasio. El propósito declarado de Zeno era que la ópera debía
fomentar la virtud presentando personajes nobles abocados a desenlaces felices después de
haber superado los obstáculos. Metastasio, cuyos libretos fueron utilizados incluso por
mozart, abordó los mitos y la historia en forma de complicadas intrigas y escribió
versos eufónicos y llenos de vocales y símiles floridos - en italiano, por supuesto.

Los Bach, una familia de músicos de Turingia, ejemplifican el paso del barroco al
estilo rococó. El padre, Johann Sebastian, (1685-1750), llevó el contrapunto del barroco
tardío a una cima inigualable en su música instrumental y religiosa. En línea con los
gustos cambiantes, sus hijos siguieron diferentes derroteros. El mayor, Wilhelm Friedemann
(1710-1784) se inició en la tradición organística de su padre, pero sus composiciones
vigorosamente originales ya apuntaban hacia el mundo expresivo del pre-romanticismo. El
segundo hijo, Carl Philipp Emanuel (1714-1788), que fue calvecinista de cámara del rey
Federico II de Prusia, trató de ir más allá de los límites del contrapunto, hacia el
mundo del sentimiento y del "Sturm und Drang" de la literatura. Con sus
composiciones para teclado, que se decantan ampliamente por el estilo monódico y están
llenas de extraños contrastes, se convirtió en un percusor de Haydn y Beethoven e hizo
un artículo de fé el que la música debe apelar a los sentimientos más que dar
ocupación al intelecto. Fue el hijo menor Johann Christoph (1735-1782) quien llegó más
lejos; conocido como el Bach de Milán o Londres, se convirtió al catolicismo tras sus
estudios en Italia. Junto con Johann Adolph Hasse (1699-1783), que había
abandonado su región natal de Hamburgo para hacerse un nombre en Italia, estableció las
nuevas formas estilísticas, con el acento en la emoción, tanto en la música
instrumental como en la ópera, escribiendo sinfonías dulcemente melódicas y algunas
óperas que responden plenamente al estilo "galant", rococó, como Artaserse y Catone in Utica.
En Londres fue durante algún tiempo mentor y modelo del niño prodigio llamado Mozart.

La lengua excelsa e inatacable de la escena operística durante todo el período
rococó fue la italiana, excepto en París y, ocasionalmente, en Londres. Para casi todos
los compositores era aún forzoso escribir óperas. Sólo el teatro ofrecía éxito
popular. La música instrumental era aún un producto marginal. El equilibrio no se
alcanzó hasta los inicios del período clásico.

HITLER

2008-05-14T17:28:06+00:00

BIOGRAFÍA DE ADOLFO HITLER (1889-1945)

Una de las legendarias figuras que han impactado a la humanidad es sin duda Adolfo Hitler . Sus horribles actos genocidas y el desastre que trajo a casi todo el mundo durante la segunda guerra mundial, siempre serán recordados. Sin embargo, el tomar el máximo poder del gobierno alemán en tan sólo unos pocos años no parece una tarea fácil. Adolfo Hitler, sin lugar a dudas, fue un genio en el arte de la manipulación y el control. Con su estilo de golpear rápida, sorpresiva e irreversiblemente fue viendo caer a sus enemigos uno por uno, ya fueran de personas de su mismo partido o de otras facciones políticas opositorias.

Adolfo Hitler, Líder del tercer Reich.

Juventud de Adolfo Hitler.

Hijo de un aduanero austriaco de nombre Alois Schickgruber-Hitler (antes se apellidaba Schickgruber, pero se cambió el apellido a Hitler puesto que era más prestigioso) y Klara Pölzl (una joven que era 23 años menor que Alois) Adolfo Hitler nació en Braunau, Austria, el 20 de Abril de 1889. Vaya sorpresa que el máximo líder de la Alemania Nazi fuera en realidad austriaco, naturalizado alemán.

Adolfo Hitler, en su más tierna infancia

La infancia de Adolfo Hitler no fue fácil, transcurrió en medio del autoritarismo y dureza de su padre Alois, personaje que, pese a únicamente tener la educación primaria era un agente de aduanas exitoso y que había ascendido muy rápidamente. Hay que comentar más ampliamente el origen de Alois para poder entender (al menos en parte) el comportamiento futuro de Adolfo Hitler. Alois fue el hijo ilegítimo de Anna Schickgruber , debido a eso fue que el apellido se consideraba deshonroso. Esto posiblemente influyó a Hitler al pensar que talvez su misma persona tuviera un origen remotamente Judío. Adolfo Hitler no era un alumno exitoso, al contrario era más bien holgazán y sin muchos amigos, posiblemente debido a que su infancia transcurrió en medio de mudanzas debido al trabajo de su padre; no terminó la secundaria. En contraparte a la cruel y violenta figura paterna, Adolfo Hitler encontraba refugio en el gran cariño materno. Vivió casi toda su infancia en Linz y su juventud en Viena.

Su estancia en Viena.

Una vez que Adolfo Hitler se había instalado en Viena en 1907, lleno de apatía y sin mucho que hacer, lo único que le traía gran regocijo era la música del gran compositor alemán Ricardo Wagner , la cual según Hitler, era la música del nacionalismo alemán por excelencia. Se dice que estuvo mendigando por unos años mientras al mismo tiempo era rechazado en sus intentos por entrar en la Academia de Bellas Artes para estudiar Pintura. Sin embargo, Hitler no pudo entrar en esta pese a sus dos examenes. Al parecer sus pinturas carecían de vitalidad y eran más propias de un arquitecto. Talvez estos fracasos fueron desarrollando un complejo en contra de la sociedad la diversidad cultural que se vivía en Viena, la cuál no le parecía atractiva a Hitler. Fue en ésta época cuando se desarrolló su sentimiento nacionalista alemán y el antisemitismo. Al parecer, Adolfo Hitler sentía una admiración verdadera por la orgullosa nación alemana y en el lado opuesto no se sentía atraído por su patria, a la cual consideraba débil así como a su ejército, propio de un país en decadencia. A tal grado era su falta de apego que cuando se le requirió para presentar el servicio militar, Adolfo Hitler se escondió en Viena durante 3 años, enviando una carta a la autoridad correspondiente donde exponía que sus razones para no hacerlo eran que no tenía medios para subsistir y vivía en la pobreza.

Adolfo Hitler, entre la muchedumbre ante el anuncio de la primera guerra mundial

Sin embargo, Adolfo Hitler no vivía en la pobreza. De hecho, tenía acceso a una pensión de orfandad y vendía algunas pinturas, de las cuáles algunas eran tomadas de estampillas postales, y se decía que no todas se vendían. Algunos de los que rechazaban las pinturas eran Judíos, talvez esto contribuyó en cierta proporción a engrandezer su odio contra los mismos.

Hitler en la Primera Guerra Mundial.

Pero si Adolfo Hitler no prestaba el servicio militar en Austria no era por razones de cobardía, puesto que durante la primera guerra mundial se enroló en el ejército Alemán, donde debido al valor y audacia demostrados fue ascendido a cabo. Aunque pese al ascenso se dice que sus superiores no confíaban en Hitler como para asignarle un rango más alto debido a que no le veían capacidad de mando. Hitler debió ser un soldado extremadamente valiente y con sumo afán de lucha, que se ofrecía a realizar misiones peligrosas como el llevar mensajes entre trincherras o cuarteles, al grado que llegó a ganarse una cruz de hierro. Se dice que en la unidad en la que Adolfo Hitler entró al comienzo de la guerra, eran 3500 efectivos, mientras que unas semanas después solo quedaban 600.

Adolfo Hitler con sus compañeros de la primera guerra mundial

Tal era la brutalidad de la Gran Guerra . Sin dejar de demostrar su habilidad en el campo de batalla, en 1916, Adolfo Hitler cae herido a causa de un disparo en la pierna. Sin embargo, pronte se restablece y tras pasar el invierno reponiéndose de su herida, vuelve al frente con gran júbilo. Luego en 1918, tras un ataque por gas mostaza, Hitler cae nuevamente herido; "gaseado" según su cartilla militar. Es ingresado entonces en el hospital Passewalk , donde es sometido a algunas operaciones y es presa del dolor. Es aquí donde Adolfo Hitler recibe le funesta noticia del fin de la Gran Guerra que trae como consecuencia la caída del imperio Austro-Húngaro y la humillante derrota de su admirada Alemania. Es probable que durante este lapso Adolfo Hitler se sumiera en sus pensamientos y comenzara a darse cuenta de los grandes y veloces cambios del mundo en el que está viviendo. Es aquí donde Hitler comienza su afán nacionalista y su rechazo a las demás facciones políticas como el comunismo, con sus propagandistas bolcheviques corriendo por todos lados, y la actual república demócrata de Weimar, con sus políticos a quienes acusaba de haber traicionado a Alemania al haber aceptado las desilucionantes condiciones del tratado de paz de Versalles (1918).

Adolfo Hitler, en sus años de juventud

Hitler y el Partido Obrero Nacional.

Es comprensible que Adolfo Hitler se sintiera extraño e invadido por un deseo de actuar después de la experiencia de la Gran Guerra. Ahí, en el campo de batalla, Hitler era respetado e incluso admirado por algunos colegas, cumplía misiones de cierta importancia y se encontraba identificado con sus compañeros y los objetivos de la Gran Guerra, de ayudar a Alemania a demostrar su supremacía. De vuelta en la vida rutinaria Adolfo Hitler tenía mucho que hacer y se encontraba en un estado de pobreza. Es aquí donde las piezas empiezan a encajar como si el destino tuviera todo resuelto y fríamente calculado para él. Hitler se queda en el cuartel de Munich donde espera instrucciones para alguna misión, cualquier cosa que lo saque del aburrimiento en el que se encuentra. Le es asignada una misión a Adolfo Hitler como espía para vigilar las muchas facciones políticas que ahora se encuentran por todos lados en la alemania de posguerra. Para esto lo único que Hitler tiene que hacer es asistir a las reuniones de dichas facciones y enterarse de qué es lo que traman y asegurarse que no planeen ninguna acción violenta o que atente contra el "orden". En una reunión del DAP , en el partido obrero alemán, el 19 de Octubre comienza su carrera política en una taberna en Munich. Pronto Adolfo Hitler se vuelve el líder principal del partido. En encendidos discursos que brillaban por su audacia y atrevimiento Hitler deja caer toda su ira sobre los culpables (según el) de la miseria alemana: los judíos, comunistas y todas las otras facciones diferentes, eso sin contar con la exaltación del nacionalismo alemán. En estas condiciones la clase media y baja de Alemania, estaba de acuerdo con las ideas hitlerianas; los discursos de Adolfo hitler no hacían otra cosa que reflejar y aumentar el descontento de la población y lo capitalizaba contra las razas e ideas diferentes a las suyas. Al tener a un culpable responsable de los males de la nación, la popularidad de Adolfo Hitler fue creciendo rápidamente. Después rebautizaría al DAP como NSDAP o Partido Nacional Socialista de los Trabajadores Alemanes .

Adolfo Hitler junto a Mussolini, dictador Itialiano de marcada ideología fascista, con quien se aliaría a causa de la similitud de ideas y del régimen.

Influenciado por el fascismo de Mussolini , este movimiento, adverso tanto a lo existente como a toda tendencia de progreso, representaba la respuesta reaccionaria a la crisis del Estado liberal que la guerra había acelerado.

Junto a esto, la indemnización que alemania debía de pagar estipulada en el tratado de Versalles son un obstáculo más para la economía alemana. La miseria se vive en cada calle, el marco se ha devaluado hasta no valer casi nada y hambrientos van y vienen sin rumbo fijo, no hay trabajo. El débil gobierno alemán no puede hacer frente a las deudas de posguerra y al abastecimiento propio. Adolfo Hitler se convierte en un activo líder político organizando mítines, grupos y repartiendo propaganda que es muy bien recibida por la gente que se encuentra en la miseria, que es la mayoría. No muchos son los que están a favor de la república y algunos se encuentran temerosos del comunismo, así que Adolfo Hitler logra para su causa grupos que ven en él y su partido un concepto afín a sus ideales, grupos como los radicales católicos, militares y la gente en general que está a disgusto con la molesta situación que se vive a diario por las calles. Es en dichos grupos donde por primera vez anuncia el símbolo del partido nazi: la svástica . Todos tienen el propósito de devolverle a alemania su puesto como gran potencia europea. Por si fuera poco, Francia, invade las cuencas del Rhur y el Sarre para garantizar el pago de la deuda. Se siente crecer el descontento. Los rivales más poderosos en este momento son los comunistas, que despliegan una fuerte actividad entre los alemanes.

El golpe de estado de Munich y Mein Kampf

El 8 de Noviembre de 1920 el partido NAZI con Adolfo Hitler a la cabeza convoca una reunión de las personalidades políticas más distinguidas de Alemania. En medio de la reunión, Hitler intentó dar un golpe de estado que le arrebataría el poder a la república demócrata. Entró junto a Goering y 25 miembros del partido debidamente armados, se paró en una silla disparo al aire y caminó hacia la tarima de oradores y dijo:
"¡La revolución Nacional ha comenzado! ¡Esta sala se halla tomada por seiscientos hombres armados! El gobierno de Baviera y el del Reich han sido abolidos y acaba de formarse un gobierno nacional provisional. Los cuarteles del ejército y la policía han sido ocupados y tropas y policías marchan hacia la ciudad con el emblema de la svástica. "
Sin embargo, dicho golpe de estado fracasó debido a que los principales personajes involucrados no estaban convencidos de la manera en que se harían las cosas. Tales personajes eran Von Lussow (jefe del ejército de Baviera) , Gustav Von Khar (comisario del gobierno central de berlín) , el general Ludendorf (héroe de guerra de muy alto prestigio) y Seisser . Luego de esto, Adolfo Hitler es condenado a 5 años de prisión por el tribunal asignado, cumpliendo solo 9 meses.
Durante su estancia en la cárce, Adolfo Hitler aprovecha el tiempo para dictarle a Rudolf Hess la primera parte de su libro Mein Kampf (Mi lucha), que es una especie de autobiografía donde puede darse rienda suelta y explicar abiertamente sus ideas e ideales además del clásico discurso inquisidor contra los judíos y la divinización de la raza aria y una alemania para los alemanes. En 1924 Adolfo Hitler sale en libertad y vuelve a la actividad del partido, pero ahora optando por la vía demócrática como medio de tomar el poder.

Adolfo Hitler en Prisión, donde escribió "Mein Kampf", la autobiografía donde expone sus ideología de odio a los judíos y las demás razas inferiores además de exaltar su amor fanático por alemania

Adolfo Hitler estrecha la mano del entonces presidente Hindemburg y se le otorga la cancillería en 1933

Hitler conquista el poder

El odio a los judíos alcanza un nivel más alto en las ideas que predica, las cuales son muy bien acogidas por la opinión pública. Joseph Goebbels se encarga de crear una campaña propagandista sin igual, exhaltando los ideales del partido de manera fanática tomando siempre a los sentimientos y emociones como arma principal de sus campañas. La crisis de 1929 afecta especialmente a alemania, y las masas la clase media ven en el nazismo la salvación ante el influjo comunista. Tras alcanzar gran popularidad, Adolfo Hitler se postula como candidato en las elecciones de Marzo de 1932 contra Hindemburg, este último resultando ganador. Sin embargo, a causa de la inmensa cantidad de gente que votó a su favor, a Hitler se lo otorga la cancillería después de la muerte de Hindemburg, no sin resistencia. Von Papen, quién había tenido el puesto de vicecanciller, trata de manejar a Hitler, aunque ineficazmente. Luego de eso, fusionando el puesto de canciller con el de Führer, Adolfo Hitler queda como líder supremo del Reichstag , el tan famoso tercer Reich. El Reich de los mil años.

Desfile del partido nazi donde Adolfo Hitler es rodeado por cientos de simpatizantes apoyándolo en su campaña.

Adolfo Hitler saluda a las SS (fuerza militar al servicio exclusivo de Hitler) en desfile en Nuremberg. Enfrente se encuentra Himmler, el lider de las SS

Una vez con el poder en sus manos, Adolfo Hitler continuó con su conocido activismo, tomando medidas tanto internas como externas para asegurar la soberanía de alemania. En el sarre , logra expulsar a los franceses a través de la mayoría de votación en un plebiscito decretado por el. Purga las filas nazis durante la " Noche de los Cuchillos Largos " en 1934, donde quita del camino a su antiguo amigo Ernst Röhm, lider de las S.A. que era un grupo armado que ayudó a Hitler a incrementar su campo de acción a través del miedo que inflingían y a combatir a los comunistas. El tratado de Versalles significa casi nada para Adolfo Hitler, puesto que en contraposición contra el mismo, comienza la militarización de Alemania, al mismo tiempo que lanza el " Anchluss ", que es la anexión de Austria. El tratado de Versalles y la sociedad de naciones poco pueden hacer con su "política de apacigüamiento". Adolfo Hitler Restaura el servicio militar obligatorio en 1935 y remilitariza Ranania en 1936. Es curioso notar que la vía para superar la desastrosa situación económica de alemania fuera la remilitarización, la industria armamentista. Una policia paramilitar es creada, conocida como la Gestapo, para controlar el orden y velar por la seguridad del estado y la pureza de la raza aria. Poco a poco el odio hacia los judíos de parte de la población ha ido creciendo y en 1938 tiene lugar la " Noche de los cristales rotos ", cuando miles de judíos fueron asesinados y sus tiendas y posesiones destruidas, en una violenta represión, violencia que degeneró en los campos de concentración, a donde los judíos eran llevados y algunos eran obligados a trabajar mientras que otros pasaban directamente a ser exterminados. Seis millones de judíos murieron en estos campos. Los campos de exterminio, donde Adolfo Hitler llevaría a cabo el asesinato sistemático de los judíos, fue conocido como " la solución final ".

Adolfo Hitler en París, después de la guerra relámpago donde derrotó a los franceses.

Comienza la remilitarización

La agresiva política internacional de Adolfo Hitler contribuyó en la reconstrucción de alemania, prometida por el mismo en sus campañas políticas. En vez de limitarse únicamente a los conflictos internos, Hitler hizo uso de hábiles maniobras externas para comenzar la conquista europea y junto con la Gestapo y las SS, Hitler no tenía virtualmente oposición alguna dentro de alemania. Dentro de las maniobras externas que Adolfo Hitler utilizó, estuvieron la alianza con la dictadura fascista de Mussolini en Italia, la intervención en la Guerra Civil Española al lado de Franco , y su alianza con Japón con el objetivo de presentar resistencia a los Rusos (pacto Antikomintern, 1936) donde se conformó el Eje Berlín-Roma-Tokyo (1937).

Esta imagen clásica de la maquinaria propagandista alemana muestra a hitler como una especie de mesías de la raza Aria.

Fue durante el conflicto bélico alrededor de Danzig, lo que le llevó a invadir Polonia, y ahí fue cuando Inglaterra y Francia reaccionaron ante la amenaza que ya se veía venir y le declararon la guerra a Alemania. La Segunda Guerra Mundial había comenzado. Inmediatamente después la Wehrmacht (ejército Alemán) invade Dinamarca y Noruega, tan solo meses después, seguirán Bélgica y Holanda en 1940. El poderío Nazi está en el apogeo de su fuerza; Europa se encuentra de rodillas ante el poder de la svástica. El moderno y bien suministrado ejército del Führer arrebatan victorias en numerosos frentes. Recordando la Primera Guerra Mundial, y cuan cerca estuvieron de tomar París, los ejércitos Alemanes de Adolfo Hitler derrotan a los franceses en tan solo diecisiete días y toman París ese mismo año. Rusia no entraba en la guerra aún a causa de que se había firmado un Pacto de no agresión en 1939, acordando con Stalin el reparto de Polonia. Sólo Gran Bretaña resiste y estuvo cerca de verse invadida también si no fuera por la heróica batalla aérea de Iglaterra en 1940-1941, cuando la Lutwaffe al mando de Göering se enfrentó a los poderosos aviones ingleses. Adolfo Hitler conquista también Holanda, Luxemburgo, Yugoslavia y Grecia, mientras que Italia, España, Hungría, Rumania, Bulgaria y Finlandia son países aliados y Suecia y Suiza se encuentran en estado de neutralidad benévola.

Los nazis vieron el tanque como una mejora moderna de los carruajes, que al igual que tiempo atrása permitían vencer fácil y rápidamente a un gran número de gente. Ejemplo de propaganda NAZI de las SS.

El principio del Fín.

Y es aquí cuando Adolfo Hitler comete su más grande error: abrir el frente oriental con Rusia (URSS). Las causas del enfrentamiento con Rusia provienen de las irreconciliables diferencias entre las ideologías de ambas naciones, además de la política y el sueño hitleriano del " espacio vital " que tanto ansía Hitler para que la población alemana se desarrolle sin límites. Bajo estas condiciones Adolfo Hitler lanza un violento ataque contra la unión soviética teniendo que pelear en frentes occidentales tanto orientales y sin embargo, consigue un incontenible avance hasta llegar a Stalingrado en 1943, misma que estuvo a punto de caer, salvada solo por el cruel general invierno, el mismo que haría morder el polvo a Napoleón. Se dice que el invierno en ese año fue el peor que se había vivido en décadas, las máquinas de guerra se atascaban, los soldados caían acabados bajo el terrible clima, y el ejército encargado del frente oriental fue diezmado de manera decisiva sin posibilidad de recuperarse posteriormente. El Tercer Reich Se encontraba herido de muerte.
La guerra se ha extendido hacia África, donde el Gran General Erwin Rommel apodado "El zorro del desierto" por sus espectaculares y audaces tácticas de guerra, dirige a sus divisiones panzer y pelea valerosamente. Sin embargo sin los adecuados suministros cae, enfermo e involucrado en una conspiración que derivó en un intento de asesinato del Führer Adolfo Hitler, es obligado a suicidarse en 1943. Dicha conspiración fue llevada a cabo por miembros del alto mando Alemán inconformes con el rumbo que estaba llevando la guerra y en desacuerdo con un Hitler que cada vez se veía más fantasioso. El asesinato pudo haber funcionado sin embargo el maletón que llevaba la carga explosiva fue colocada en el lado opuesto a Hitler de la maciza columna de la mesa donde se llevaba a cabo una reunión con sus generales: Hitler sólo obtuvo una lesión en el oído y otra en el brazo. Por otro lado los estadounidenses que habían entrado en la guerra desde 1941, llevan a cabo el desembarco en Normandía en 1944, pieza clave para la victoria. Las defensas que Rommel había planificado nada pudieron hacer para contener el avance aliado.

Adolfo Hitler, con aspecto acabado y enfermo en los últimos días de su vida. Se dice que había desarrollado el mal de Parkinson y le temblaba mucho la mano. Muere el 30 de Abril de 1945.

La caída del Tercer Reich

Adolfo Hitler poco a poco ve como toda posibilidad de llevar adelante su sueño comienza a venirse a bajo. Cada vez se le ve más decaído, le tiembla la mano a causa del mal de parkinson y su salud es bastante precaria. Poco a poco la gente en quien confía, incluidos sus generales comienzan a darse cuenta de que Hitler ya no está bien de salud, al optar por medidas con poca base para ganar la guerra. Ante el avance Ruso y Aliado, Hitler se esconde en su bunker junto a su perro y Eva Braun , la mujer que lo seguiría hasta el final con fé ciega y amor incondicional. Desde ahí con medidas desesperadas Hitler trata de sobrellevar la situación reclutando a todo habitante de Berlín en edad de portar armas, desde niños a ancianos, a que se sumen a la heróica defensa de la ciudad. Americanos y Rusos compiten por llegar primero al bunker de Hitler. Al final son los rusos los primeros en llegar. Dedo y traicionado por la casi totalidad de sus colaboradores, Adolfo Hitler se encuentra en su Bunker en espera del final. Ahí dentro se casa con Eva Braun y al siguiente día, ambos toman una cápsula de cianuro y Hitler se dispara un tiro en la cabeza y sus cuerpos son quemados para que no puedan reconocerse el 30 de Abril de 1945. Goebbels, su esposa optan por asesinar a sus hijos y suicidarse después siguiendo su ejemplo. Es así como terminó el sueño del Tercer Reich, el sueño de que una raza superior dominara la tierra y la librara de las razas inferiores y diferentes. Arrastró a su nación a la ruina y la destrucción, así como al mundo entero al mayor conflicto bélico que ha vivido la humanidad que cobro más de 50 millones de víctimas y dejó el ejemplo de la violencia y la intolerancia como medio de llegar al poder sin que nadie se le opusiera seriamente. El genocidio al que sometió a los Judíos será siempre recordado como la época en el que el mal casi triunfa en el mundo.

LA MILENARIA CARAL

2008-07-28T09:11:03+00:00

Los tejidos aparecen una vez concluida la domesticación del algodón. Para los Andes centrales los tejidos más antiguos fueron encontrados en Huaca Prieta por el arqueólogo Junius Bird en 1946. Junto a varios objetos (mates, restos de comida, tallas en piedra, etc.) los primeros textiles en algodón revolucionaron la concepción que hasta esa fecha se tenía acerca del avance tecnológico del hombre andino. Los tejidos de Huaca Prieta tuvieron un fechado de 2,500 a.C., mil quinientos años anterior al estadio cultural Chavín, considerado hasta entonces como el primer horizonte cultural de avanzada en los Andes.

Se ha encontrado relación entre la iconografía de Huaca Prieta y la realizada años mas tarde en Chavín. Si bien se puede encontrar toda una continuidad cultural e iconográfica de más de mil años entre una cultura y otra, lo cierto es que también para esta región la reproducción de la naturaleza fue práctica común. Seres antropomorfos y zoomorfos fueron la constante temática en muchas culturas prehispánicas, principalmente aves serpientes y plantas. Lo que si es evidente es la presencia de estas figuras por más de 4,000 años en los Andes centrales (pájaros, felinos, serpientes bicéfalas).

Los textiles de Huaca Prieta permiten un acercamiento al mundo del hombre precerámico. A través del tejido se pudo analizar el tipo de animal elegido, es decir si era doméstico o salvaje. También se pudo analizar el conocimiento científico y su dominio del entorno, pues a través del estudio de la fibra textil se obtuvieron importantes datos acerca del conocimiento que tenían sobre los tintes y su composición. La forma de torcer el hilo permitió conocer cuales fueron sus patrones en el tejido y también cuales fueron sus zonas de influencia. La técnica del entrelazado es la más antigua y simple que se conoce para esta época. Es una técnica en la que no se necesita un telar, tan solo se entrecruza de distintas maneras y sus tramas del tejido.

LOS NAZIS Y LA MEDICINA DE SU TIEMPO

2008-05-14T17:28:03+00:00

Científicos” nazis: una historia de película

En escalofriantes historias de horror terminaron las experimentaciones científicas hitlerianas durante la Segunda Guerra Mundial

Jesús G. Bayolo

El “intelectual” de la cúpula nazi, Kurt Heinrich Himmler, era un apasionado de las experimentaciones “científicas”, especialmente aquellas que versaban sobre investigaciones de la raza, y tal afición lo llevó a fundar en 1933 la Sociedad Herencia de los Antepasados.

Al principio era algo así como una entidad “espiritual”, pero en 1939 entró en vigor un nuevo reglamento, que elevó “su rango” para experimentos “científicos” en general, y dos años después tuvo a su disposición los seres vivos sometidos en campos de concentración. En 1942 la sociedad se agregó al Estado Mayor particular de Himmler, pasando a ser un órgano de las SS.

Vamos a ver algunos ejemplos de cómo empleaban su “talento científico” los nazis, comenzando por una verdadera historia “de película”, que tiene como protagonista a un capitán médico de la reserva del Ejército del Aire, Sigmund Rascher, poseedor del triste mérito de haber sido el primero en pedirle a Himmler que se emplearan seres humanos vivos en los experimentos.

La primera toma la hacemos en el campo de concentración de Dachau, donde Rascher obliga a dos oficiales rusos presos a desnudarse y adentrarse en agua helada.

Antón Pacholegg, médico prisionero y obligado ayudante de Rascher, relató en el proceso de Nuremberg este macabro experimento, del que fue testigo. A las dos horas los oficiales rusos mantenían el conocimiento. A la tercera hora se escuchó este diálogo:

—Camarada, di a ese oficial que acabe con nosotros de un balazo.

—¡No esperes nada de ese perro!

Sobrevivieron cinco horas. Sus cuerpos fueron enviados a Munich para practicarles la autopsia. El “científico” nazi pretendía haber inventado —y probado con ese experimento— un producto antihemorrágico, al que había dado el nombre de Polygal.

Sigmund alardeaba de su “talento” y de la eficacia de sus investigaciones, porque en ellas usaba a seres vivos y no a ratas de laboratorio.

Tal vez lo más curioso es que el impetuoso Sigmund Rascher era un protegido del célebre Himmler, quien aplaudía sus múltiples experimentos con humanos. Pero ni el gran capo nazi lo salvó de la tragedia...

Sucedió en 1943. La señora Rascher, mayor que Sigmund en 15 años, ya era madre de dos niños cuando se fingió en estado de gestación para presentar luego como suyo a uno robado. Se descubrió la patraña y ante la posibilidad de que la criatura fuera de “sangre impura”, la pareja se vio en las redes de la GESTAPO.

El matrimonio desapareció, pero solo por poco tiempo. Fueron detenidos a finales del propio 1943, sometidos a proceso y encarcelados. En 1945, cuando la derrota alemana era evidente, Himmler se acordó de los Rascher. Dijo que eran demasiado locuaces, y sobre todo la mujer, por lo que no podían caer en manos del enemigo.

Esta vez Himmler sí hizo “algo” por ellos: en abril del 45 la señora Rascher fue ahorcada en Ravensbruck, y por una de esas ironías del destino, el “sabio” nazi Sigmund Rascher fue trasladado al sitio donde dio inicio “esta película”: Dachau. Solo que esta vez el criminal vio la otra cara del crimen: sin previo aviso recibió un disparo mortal. Que no se diga que Himmler no se acordaba de sus “amigos”.

EL “ARMA” SECRETA “S”

Los nazis fueron los campeones de la invención... para matar. Inventaron cada cosas... Y qué ironía: como si se lo creyeran ellos mismos, en ocasiones les daban un argumento “humanitario” a sus engendros creativos. Tal es el caso de los camiones S.

Cuenta Jacques Delarue en su libro La GESTAPO que en agosto de 1942 Himmler estaba en Minsk (entonces ocupada por los fascistas) y organizaron una matanza en su honor, pero al “refinado” capo le molestó algo bastante normal en los dominios del Reich, aunque indignante para todo ser humano (categoría en la que no se incluyen los hitlerianos). A la matanza no le puso objeción. Lo que “hirió su sensibilidad” fue ver ¡¡y oír!! cómo enterraban a los masacrados, aunque no todos estaban muertos.

Para “humanizar la muerte”, a raíz de aquel suceso, un ingeniero nazi trabajó en Berlín, el SS untersturmführer doctor Becker, y como resultado, se inventaron los camiones S.

Lo genial del invento no era solo que impedía enterrar a la gente viva, sino que no hacía falta matarla en las fosas u otros sitios de exterminio masivo, porque eran asesinadas en el trayecto. Se trataba de camiones cerrados y cuando se ponía en marcha el motor, penetraba el gas en el interior del vehículo, para matar a sus ocupantes en un tiempo de diez a 15 minutos.

Se construyeron camiones S de varios tamaños, con capacidad para 15 o 20 víctimas. Sobre todo se utilizaba con mujeres y niños. Les decían que iban a ser trasladados, pero no les aclaraban que “al otro mundo”. Cuando subían, se cerraban las puertas y ya estaban en una cámara de gas rodante. Trabajó rápido el ingeniero SS (¿mejor HP?) Becker, porque empezaron a usarse en el propio 1942, en Ucrania.

Se sabe que también se emplearon en Checoslovaquia y Polonia. El jefe de la GESTAPO en Lodz, Braunfisch, se jactó de haber exterminado a 340 000 judíos con los camiones S.

¿Por qué el nombre? Pues por la inicial de la fábrica de camiones Sauner y de la palabra “especial” (sonder). Otras eses son que se trataba de un super secreto. En Minsk un chofer con unos tragos de más habló de su camión y de inmediato fue condenado a muerte. Ciertamente el mundo no supo de este engendro hasta después de la derrota fascista, en el proceso de Nuremberg, pero quienes sufrían la opresión de alguna manera lo descubrieron y bautizaron a los camiones como “furgones de la muerte”.

Pero... los camiones S dejaron de fabricarse y hasta de usarse en menos de un año, por sus deficiencias y los múltiples problemas que originaron. Hubo quejas de choferes y de hombres de los comandos, por sufrir fuertes dolores de cabeza, ya que absorbían gas al momento de abrir las puertas. Pero de lo que más se quejaban era de tener que sacar “aquellos cuerpos malolientes y llenos de inmundicia” (¡!).

PRISIONEROS K

El término comenzó a aplicarse el 14 de marzo de 1944 en el campo de Mauthausen. Como parte del decreto Kugel, a los prisioneros que llegaran allí porque habían intentado huir de otro campo, se les daba el nombre de prisioneros K.

Al prisionero K no se le apuntaba en los libros de registro del campo ni se le asignaba ningún número: directo al calabozo y de ahí a la sala de duchas donde se le obligaba a desnudarse y se le colocaba en un aparato antropométrico “para medirle la talla” —le decían.

Pero a tales aparatos les habían adaptado un mecanismo especial, que al ser manipulado provocaba un disparo en la nuca. Cuando el número de prisioneros K era elevado, entonces cerraban las puertas, y en vez de agua hacían salir gas por las duchas.

Otro invento diabólico, aunque más “benigno” que el aparato antropométrico, fue “la máquina de azotar” que hasta patentó un SS, la cual apretaba a la víctima con unos aros contra el tronco y daba la cantidad de golpes para la que se le había programado.

VACUNAS NAZIS

Solo se conoce un caso de desobediencia en las filas de las SS. Ocurrió en el Cáucaso cuando las tropas se negaron a avanzar por el fuerte rumor de que iban a introducirse en una zona asolada por la peste.

El incidente originó el ensayo de numerosas vacunas y la intensificación, por su eficacia, de la guerra bacteriológica. Como “es natural” se utilizaban seres humanos para comprobar las vacunas. Por ejemplo, en Buchenwald, “el tifus fue inoculado a unos hombres designados como “depósito de virus” (!!).

En otro campo, Dachau, se hicieron estudios sobre el paludismo y se cultivaron larvas del mosquito Anopheles para contaminar a más de mil presos, escogidos entre los sacerdotes polacos.

Afortunadamente “El Reich del Milenio”, como lo bautizó Hitler, duró solamente hasta el 9 de mayo de 1945. Pero la humanidad debe recordarlo por siempre. Que aunque lo parezca, no fue una película. Millones de cadáveres lo atestiguan.

LOS FUNDADORES DE NIKE

2008-05-14T17:28:02+00:00

Philip H. Knight, que convirtió a una empresa de zapatillas de Oregon en el imperio mundial de indumentaria deportiva Nike, renunció el jueves a su cargo a la cabeza de la compañía.
A Knight, de 66 años, se le acredita el haber inventado el concepto del marketing deportivo, al menos en su multimillonaria omnipresencia actual. Para bien o para mal, sus enormes contratos de auspicio e innovadoras campañas de marketing elevaron a atletas como Michael Jordan, Bo Jackson y Lance Armstrong al status de íconos internacionales.
"El creó prácticamente por sí solo una industria entera, la del merchandising deportivo", dijo Marc Ganis, presidente de la consultora Sportscorp Ltd.
"Hizo a los atletas mucho más ricos, transformó al calzado deportivo y a la ropa deportiva en artículos de lujo, y convirtió una pequeña empresa de Oregon en un Goliat internacional."
Nike, con sede en Beaverton, Oregon, también ha sido objeto de criticas en los 32 años de jefatura de Knight, por explotar a los trabajadores de talleres semiesclavos de Asia y por hacer del deporte más una cuestión de dinero y de status que de simple competencia. Pero la empresa hizo esfuerzos por mejorar las condiciones de sus trabajadores y tuvo una trayectoria de crecimiento y éxitos de mercado descomunales.
Knight venía preparando el terreno para su retiro como máximo ejecutivo desde el año pasado, cuando pidió al directorio de la compañía que empezaran a buscarle un reemplazante. El jueves, Nike dijo que contrató a William D. Perez, de 57 años, quien antes se desempeñó como presidente de la empresa de productos de consumo S.C. Johnson & Son Inc., los fabricantes de los insecticidas Raid y Off.
Perez, que según dijo la compañía ha participado en once maratones y ha usado sólo Nikes durante 27 años, asumirá como presidente y CEO. Knight continuará como presidente del directorio.
La selección de Perez, un ejecutivo poco conocido aunque respetado, para dirigir Nike, una multimillonaria firma de indumentaria, fue una sorpresa para muchos en el sector. Aun cuando Pérez nunca vendió un solo par de zapatillas, tiene que ponerse en los zapatos de alguien que redefinió la industria del calzado deportivo.
Pero si bien la experiencia de Perez con Nike se limita a las zapatillas que usó para sus maratones, se lo considera un experto en comprar y gerenciar marcas muy conocidas.
Capítulo legendario
La partida de Knight de las operaciones cotidianas de la empresa marca el final de un capítulo legendario en los negocios estadounidenses. Ex corredor de media distancia en la Universidad de Oregon, a comienzos de la década del 60 se inició con una empresa llamada Blue Ribbon Sports, junto con su entrenador, Bill Bowerman. Cada uno aportó 500 dólares.
Hoy la compañía Nike, conocida por su símbolo en forma de ráfaga, tiene más de 24.000 empleados. Y en el año fiscal 2004 vendió productos por valor de 12.300 millones de dólares.
Al principio, Knight y Bowerman importaban calzado japonés y lo vendían desde un camión. Pero Bowerman quería hacer mejores diseños, y habría recurrido en busca de ideas a la la waflera de teflon de su esposa.
Después de adoptar el nombre de Nike en 1972, los negocios empezaron a despegar cuando la empresa firmó contrato con su primer atleta estrella: el legendario corredor Steve Prefontaine, quien contribuyó a hacer más mejoras en el diseño del calzado.
Knight "empezó a ver realmente el poder" de los atletas usuarios de popularizar la marca, dijo Paul Swangard, director del Warsaw Sports Marketing Center de la Universidad de Oregon.
Un tal Michael Jordan
Fue a comienzos de la década de 1980 cuando Nike comenzó a florecer y multiplicarse por todas partes, después de que Knight se asoció con un joven astro del basket de Carolina del Norte llamado Michael Jordan. Las zapatillas de basket Air Jordan, que debutaron hace casi 20 años, atravesaron muchas configuraciones para convertirse en el calzado deportivo más vendido de todos los tiempos.
Fue más que un par de zapatillas; fue un costoso símbolo de status que pareció darles a sus usuarios una conexión con la magia y dominio del campo de juego de Michael Jordan. El deseo de las zapatillas se hizo tan grande que hubo escolares que cometieron actos de violencia con tal de conseguirlas.
Knight se hizo famoso por gastar descomunales cantidades de dinero para tener a sus atletas en el redil; el año pasado, Nike firmó con el astro basquetbolístico LeBron James, apenas salido de la escuela secundaria, un contrato de auspicio por 90 millones de dólares. Funcionarios de la compañía de calzado se convirtieron en parte integral del entorno de cualquier atleta en su momento estelar.
"Esa es una creación de Phil Knight, la idea de hacer que gente de una empresa de zapatillas se convirtieran de hecho en valets personales de los astros del deporte", dijo Ganis. "Algunas de estas cosas no fueron buenas... Pero en Nike piensan a lo grande. Y eso venía de bien arriba".

LAS FOTOS DE L EL

2007-11-06T07:48:04+00:00

WILLIAM EL CISNE DE AVON

2008-05-14T17:28:01+00:00

William Shakespeare. Dramaturgo, poeta y actor inglés. Resulta imposible llevar a cabo una exposición completa de la vida del celebrado autor inglés, pues existen en torno a ella numerosas suposiciones y muy pocos datos comprobados, por lo que los conocimientos en torno a su infancia son escasos, y se cree que nació el 23 de abril de 1564 en Stratfordon Avon, convertida ahora en un museo shakesperiano. Tercero de los ocho hijos del comerciante John Shakespeare y de Mary Arden, cuya familia había sufrido persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica. Probablemente estudió en la escuela de su localidad y, como primogénito varón, estaba destinado a suceder a su padre en los negocios, que fue concejal, traficaba en guantes, en cuero, en madera y en trigo, aunque tuvo que ponerse a trabajar en diversos oficios por la difícil situación económica que atravesaba su familia. En 1582 se casó con Anne Hathaway, que le daría dos hijos, Hamnet y Julia, y cinco años más tarde se radicó en Londres, lugar en el que optó por el oficio de actor. Así conoció la práctica de la escena antes de escribir para ella.
La publicación de dos poemas eróticos según la moda de la época, Venus y Adonis (1593) y La violación de Lucrecia (1594), y de sus Sonetos (1609) le dieron la reputación de brillante poeta renacentista. Los Sonetos describen la devoción de un personaje que a menudo ha sido identificado con el propio poeta, hacia un atractivo joven cuya belleza y virtud admira, y hacia una oscura y misteriosa dama de la que el poeta está encaprichado. El joven se siente a su vez irresistiblemente atraído por la dama, con lo cual se cierra un triángulo, descrito por el poeta con una apasionada intensidad que, no obstante, no llega a alcanzar los extremos de sus tragedias, sino que, más bien, tiende al refinamiento en el análisis de los sentimientos de los personajes. Fue principalmente su actividad como dramaturgo lo que le dio fama en la época.
En 1593 estrenó la Comedia de las equivocaciones (The Comedy of Errors, 1594) y pasó como autor a la compañía de lord Chamberlein, quien en 1603 recibió la protección real como The King's Magesty's Servants. Así entraría Shakespeare a actuar ante la corte, lo cual le permitió hacer cierta fortuna y comprar en Stratford una mansión a donde se trasladó su familia. Trabajó en el teatro del Globe y con el de Blackfriars. Sus textps divulgados en forma póstuma por sus socios del Globe se conocen como First Folio y comprenden 18 títulos. Las publicaciones sueltas se conocen como Quartos, también 18. Las 36 constituyen, en lo fundamental, los escritos aceptadas como pertenecientes al autor y en los que se basa su reputación, aunque sus contemporáneos de mayor nivel cultural las rechazaron, por considerarlas, como al resto del teatro, tan sólo un vulgar entretenimiento. La introducción, en distintas proporciones, de elementos trágicos y cómicos para expresar amplios espectros de caracteres se convertiría en uno de los recursos favoritos del autor inglés.
Aunque no se conoce con exactitud la fecha de composición de muchos de sus textos, su carrera literaria se suele dividir en cuatro etapas aproximativas, cuyas fechas están basados en que el autor extraía los temas de sus escritos de crónicas de su tiempo, así como de cuentos y narraciones ya existentes, tal y como era costumbre en aquellos años. La primera etapa, que va de 1590 a 1594, está integrada por piezas históricas que, al contrario de lo que ocurrió con sus textos de madurez, poseían un alto grado de formalidad y, a menudo, resultaban un tanto predecibles y amaneradas, y comedias ligeras como Sueño de una noche de verano (1594), una obra plagada de fantasía en la que se entremezclan varios hilos argumentales centrados respectivamente en dos parejas de nobles amantes, en un grupo de despreocupados cómicos y en una serie de personajes pertenecientes al reino de las hadas, entre los que se encuentran Puck, el rey Oberón y la reina Titania. El prodigioso dominio de Shakespeare en la versificación le permitía distinguir a los personajes por el modo de hablar, amén de dotar a su lenguaje de una naturalidad casi coloquial.
Sus primeras publicaciones fueron cuatro dramas que tenían como trasfondo los enfrentamientos civiles en la Inglaterra del siglo XV, un estilo muy popular en la época. Estas cuatro creaciones, Enrique VI, Primera, Segunda y Tercera parte (hacia 1590-1592) y Ricardo III (hacia 1593), tratan de las consecuencias que para el país tuvo la falta de un liderazgo fuerte, debido al egoísmo de los políticos de la época. El ciclo se cierra con la muerte de Ricardo III y la subida al trono de Enrique VII, fundador de la dinastía Tudor, a la que pertenecía la reina Isabel. En cuanto a estilo y estructura, contienen numerosas referencias al teatro medieval y otras a los textos de los primeros dramaturgos isabelinos, en especial Cristopher Marlowe, a través de los cuales conoció los del dramaturgo clásico latino Séneca. Esta influencia, que se manifiesta en sus numerosas escenas sangrientas y en su lenguaje colorista y redundante, especialmente perceptible en Titus Andronicus (hacia 1594), una tragedia poblada de justas venganzas, que posee una puesta en escena muy detallista. En El mercader de Venecia (hacia 1596) aparecen retratadas las cualidades renacentistas de la amistad viril y el amor platónico que se oponen a la amarga falta de humanidad de un usurero llamado Shylock, cuyas desdichas terminan despertando la comprensión y la simpatía del público.
La segunda etapa, hasta 1600, se caracteriza por el aliento lírico y la profundización en el perfil histórico de sus personajes y su significación. De esta etapa es Romeo y Julieta (1595), considerada la más renacentista de todas por recordar la novela sentimental del siglo XV, en la cual la tragedia se desarrolla a partir del protagonista. En la tercera, que culmina en 1608, aparecen las tragedias y escritos más complejos, como Hamlet (1601), su obra más universal, va más allá de las otras tragedias centradas en la venganza, pues retrata de un modo escalofriante la mezcla de gloria y sordidez que caracteriza la naturaleza humana. Hamlet siente que vive en un mundo de engaños y corrupción, sentimiento que le viene confirmado por el asesinato de su padre y la sensualidad desenfrenada de su madre. Estas revelaciones le conducen a un estado en el que los momentos de angustia e indecisión se atropellan con frenéticas actuaciones, situación cuyas profundas razones continúan hoy siendo motivo de distintas interpretaciones. Otras publicaciones importantes de esta etapa son Julio César (1600), Otelo (1602), El rey Lear (1605), Macbeth (1606), Antonio y Cleopatra (1606) y Coriolano (1608). De la cuarta se destaca La tempestad (1613).
El rey Lear describe las consecuencias de la irresponsabilidad y los errores de juicio de Lear, dominador de la antigua Bretaña, y de su consejero, el duque de Gloucester. El trágico final llega como resultado de entregar el poder al hijo malvado y no al bondadoso. Como contrapunto, la hija, Cordelia, pone de manifiesto un amor capaz de redimir el mal por el bien, pero ella muere en un final sobrecogedor. La idea de que el mal se destruye a sí mismo, sin embargo, se ve reforzada por el funesto destino de las hermanas de Cordelia y del oportunista hijo del duque de Gloucester.
Antonio y Cleopatra, otra de las grandes tragedias, se centra en la pasión del general romano Marco Antonio por Cleopatra, reina de Egipto, glorificada por algunos de los versos más sensuales de toda la producción shakespeariana. Macbeth, en cambio, describe el proceso de un hombre esencialmente bueno que, influido por otros y debido también a un defecto de su propia naturaleza, sucumbe a la ambición y llega hasta el asesinato. A lo largo de la obra, Macbeth, por obtener y, más tarde, retener el trono de Escocia, va perdiendo su humanidad hasta llegar al punto de cometer todo tipo de imperdonables actos.
En sus últimos trabajos, a partir de 1608, Shakespeare cambia de registro y entra en el género de la tragicomedia, a menudo con un final feliz en el que se entrevé la posibilidad de la reconciliación, como sucede en Pericles (1608). Shakespeare publicó en vida tan sólo 16 de los escritos que se le atribuyen; por ello, algunos de ellos posiblemente se hubieran perdido de no publicarse, pocos años después de la muerte del poeta, el First Folio, volumen recopilatorio que serviría de base para todas las ediciones posteriores.
De su obra en conjunto es posible señalar que es en las tragedias donde obtiene una mayor efectividad teatral y una mayor visión totalizadora de los diversos tipos humanos que ofrece la realidad, siendo Macbeth donde estos logros se hacen más palpables. En Hamlet penetra en sus personajes hasta el punto de que éstos rebasan su propio acontecer dramático, hecho que redunda en que para algunos estudiosos ésta sea su obra más característica. Sin embargo, todo intento de establecer un orden cualitativo resulta relativo ante textos como Otelo, El rey Lear o La tempestad , puesto que las nuevas lecturas las han ido cargando de posibilidades significativas que demuestran su carácter de verdaderas joyas de la literatura universal.
Hacia 1613, William Shakespeare dejó de escribir y se retiró a su localidad natal, donde adquirió una casa conocida como New Place, mientras invertía en bienes inmuebles de Londres la fortuna que había conseguido amasar. Murió el 23 de abril de 1616 y fue enterrado en la iglesia de Stratford. Por esas mismas fechas murió Cervantes en Madrid, aunque es muy probable que ninguno de los dos oyera hablar del otro.

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A buen fin no hay mal principio

Como gustéis

El mercader de Venecia

Las alegres casadas de Windsor

Los dos hidalgos de Verona

Macbeth

Mucho ruido y pocas nueces

Sueño de una noche de verano

Trabajos de amor perdidos

Escritos de William Shakespeare:

Comedias:
- La comedia de las equivocaciones (The Comedy of Errors, 1592-1593)
- La fierecilla domada (Taming of the Shrew, 1593)
- Trabajos de amor perdidos (Love's Labour's Lost, 1594)
- Los dos hidalgos de Verona (The Two Gentlemen of Verona, 1594)
- El sueño de una noche de verano (Midsummer Night's Dream, 1595-1596)
- El mercader de Venecia (The Merchant of Venice, 1596-1597)
- Mucho ruido y pocas nueces (Much Ado About Nothing, 1598-1599)
- Las alegres casadas de Windsor (Merry Wives of Windsor, 1599)
- Como gustéis (As you like it, 1599-1600)
- Noche de Reyes (Twelfth Night, 1600)
- A buen fin no hay mal principio (All's Well That Ends Well, 1602)
- Troilo y Cressida (Troilus and Cressida, 1602)
- Medida por medida (Measure for measure, 1604-1605)
- Pericles, príncipe de Tiro (Pericles: Prince of Tyre, 1608)
- Cimbelino (Cymbeline, 1610)
- Cuento de invierno (The Winter's Tale, 1610)
- La tempestad (Tempest, 1613)
Tragedias:
- Titus Andronicus (Titus Andronicus, 1594)
- Romeo y Julieta (Romeo and Juliet, 1595)
- Julio César (Julius Caesar, 1600)
- Hamlet (Hamlet, 1600-1601)
- Otelo (Othello, 1602)
- El rey Lear (King Lear, 1605)
- Macbeth (Macbeth, 1605-1606)
- Antonio y Cleopatra (Anthony and Cleopatra, 1606-1607)
- Coriolano (Coriolanus, 1608)
- Timón de Atenas (The Life of Timon of Athens, 1608)
Historias:
- Enrique VI (Henry the Sixth, 1592)
- Ricardo III (Richard the Third, 1593)
- Ricardo II (King Richard II, 1595)
- Enrique IV (Henry IV, 1597)
- Enrique V (The Life of Henry V, 1598)
- El Rey Juan (King John) (1597)
- Enrique VIII (The Famous History of the Life of King Henry the Eight, 1613)
Poesía:
- Venus y Adonis (Venus and Adonis, 1593)
- La violación de Lucrecia (The Rape of Lucrecia, 1594)
- Sonetos (Sonnets, 1600-1609)

Filmografía en DVD:

El mercader de Venecia, dir. Michael Radford (2004)
Trabajos de amor perdidos, dir. Kenneth Branagh (2000)
El sueño de una noche de verano, dir. Michael Hoffman (1999)
Romeo y Julieta, dir. Baz Luhrmann (1996)
Enrique V, dir. Kenneth Branagh (1989)
Mucho ruido y pocas nueces, dir. Stuart Burge (1984)
Marco Antonio y Cleopatra, dir. Charlton Heston (1972)
La mujer indomable, dir. Franco Zeffirelli (1967)
Campanadas a medianoche, dir. Orson Welles (1965)
Othello, dir. Stuart Burge (1965)
Julio César, dir. Tanio Boccia (1963)
Hamlet, dir. Laurence Olivier (1948)
Macbeth, dir. Orson Welles (1948)

Bibliografía:

Bloom, H. (2002). Shakespeare: la invención de lo humano
Oliva, S. (2001). Introducción a Shakespeare
Gil-Delgado, F. (2001). Introducción a Shakespeare a través del cine
Bate, J. (2000). El genio de Shakespeare
Bregazzi, J. (1999). Shakespeare y el teatro renacentista inglés
González, J. M. (1999) Shakespeare y la generación del 98

las sifilis de enrique octavo soberano de inglaterra

2008-05-14T17:28:00+00:00

seis esposas y las muchas enfermedades de Enrique VIII

Así como hay constancia de que Iván era sifilítico, no hay ninguna seguridad de que su contemporáneo, Enrique VIII de Inglaterra, también lo fuera. Muchos escritores de la época lo negaron, aunque todo el mundo coincidía en que, además de las importantes heridas sufridas en los torneos, padecía varias enfermedades: gota, várices, osteomielitis del fémur y escorbuto, sin hacer especial mención a su obesidad; todas ellas han sido sugeridas como probables causantes del cambio de carácter que evidenció alrededor de los cuarenta años. En razón de la diferencia de opiniones, es razonable reexaminar evidencia porque, cualquiera haya sido la causa, ha ejercido una notable influencia en el destino del naciente Imperio británico.

Digamos que no había una razón específica por la cual Enrique tuviera que padecer esas discapacidades. Alguien del siglo XVI que viviera hasta los cincuenta y seis años tendría que haberse considerado afortunado si sólo sufría una enfermedad crónica, ya que la mayoría no tenía tratamiento. Enrique intervino en los deportes más violentos de su época, y comía y bebía en exceso; en los últimos años fue monstruosamente obeso, por lo que nada pueden sorprender sus várices. La gota y el escorbuto, desórdenes asociados a la dieta, eran comunes para el estilo de vida que llevaba. Ninguno de estos síntomas puede ser tomado como prueba para aseverar que la sífilis era la causante “oculta” de esos males.

Enrique nació en 1491, al menos dos años antes de que la sífilis apareciera en Europa. Por lo tanto, no es necesario indagar entre sus antepasados, aunque sí entre sus descendientes. La primera de sus esposas, Catalina de Aragón, madre de la reina María, tuvo un hijo varón que murió a los pocos días de nacer, y le siguieron al menos tres abortos en el séptimo u octavo mes de embarazo. Ana Bolena, la madre de Isabel I, sufrió un aborto a los seis meses y otro a los tres meses y medio. Jane Seymour tuvo a Eduardo Vl, nacido en 1537, y es muy poco probable que haya concebido nuevamente en los diecisiete meses que duró su vida marital. El cuarto casamiento con Ana de Cléves no fue consumado. Tampoco hay antecedente de embarazos de Catalina Howard, casada con Enrique entre ¡542 y 1544, o de Catalina Parr, su viuda en 1547, después de cuatro años de matrimonio.

Enrique tuvo, al menos, cuatro hijos. El único varón ilegítimo conocido fue Henry Fitz Roy, conde de Richmond, quien murió a los diecisiete años por una infección pulmonar, quizá tuberculosis. Isabel I falleció a los sesenta y nueve años; se dice que era corta de vista y pudo haber tenido razón en creer que no podía dar a luz. María Tudor murió a los cuarenta y dos años, era corta de vista, hablaba en voz alta —un rasgo típico de los sordos— y su nariz era ancha y chata, de la que manaba un pus maloliente que provocaba permanentes quejas de su esposo Felipe II. El único hijo legítimo, Eduardo VI, murió en 1553, a los quince años. Nunca fue un niño sano y ¡a causa de su muerte permanece en el misterio. Justo un año antes, en abril de ¡552, se enfermó de sarampión y viruela y se pensó que era “una manifestación, para purificar su cuerno de insalubres humores, que ocasionan largas enfermedades y la muerte”. Hay casi certeza de que, desde comienzos de 1553, su salud se agravó por una tuberculosis pulmonar. Una erupción en la piel apareció en las últimas dos semanas de su vida, las uñas se le cayeron y los extremos de los dedos y pies se necrosaron. Se cree, según diferentes opiniones, que fue envenenado.

Cualquier incidente aislado en esta historia bien podría ser debido a otra enfermedad, no obstante, la incidencia es acumulativa. Los tres hijos de Catalina de Aragón murieron antes de nacer y todos después del cuarto mes de embarazo, y Ana Bolena tuvo un aborto a los seis meses. Eduardo murió en 1552, luego de una erupción en la piel que parecía tuberculosis sifilítica congénita. En resumen, tenemos la miopía de isabel y María, más la presumible sordera de esta última y la base de su nariz achatada con una continua y maloliente secreción nasal; cualquiera de estos síntomas podría ser resultado de una sífilis congénita. Por último, tenemos la evidencia de los dos últimos casamientos de Enrique: si, como aseguran los historiadores, su política en este sentido era dictada por un profundo deseo de crear una rama fuerte de los Tudor, entonces se infiere que Enrique se volvió estéril o impotente cerca de los cuarenta años, lo que constituye un fuerte argumento a favor de la sífilis.

En su juventud Enrique fue descrito por el veneciano Pasquiligo como “el más elegante potentado que yo haya visto, con una altura mayor que la común y piernas y pantorrillas extremadamente finas, de tez blanca y brillante, cabello castaño rojizo, peinado corto y lacio y una cara redonda tan bella que le sentaría a una hermosa mujer’. El muchacho, de diecinueve años, lo tenía todo: belleza física, una magnífica presencia, encanto e inteligencia. Disfrutaba de todos los deportes, el baile y la música, y su consejero, el cardenal Thomas Wolsey, aclara que era sólido en sus ideas, de opiniones firmes, difícil de disuadir.

En febrero de 15 14, cuando tenía veintitrés años, se enfermó de viruela, aunque sin pústulas, y se recuperó por completo. Quizás estemos justificados al cuestionar ese diagnóstico, así como cuestionamos la naturaleza de la erupción de su hijo en 1552.

En 1521 Enrique sufrió el primer ataque de paludismo, una enfermedad muy común en el siglo XVI en Inglaterra, que, con intermitencias, aparecerá durante el resto de su vida. Tres años después, en 1524, tuvo un accidente mientras sostenía una justa con el duque de Suffolk, aunque no fue herido de gravedad. Enrique comenzó a padecer dolores de cabeza en 1527 y a lo largo de ese año y el siguiente desarrolló una úlcera notable en uno de sus muslos (tal vez, en los dos), que lo molestó hasta su muerte.

En el crucial año de 1527 tenía treinta y seis años; hasta entonces había reinado con buen juicio y moderación. Más de un peligroso motín había sido reprimido firmemente aunque sin crueldad para las prácticas habituales de la época. Durante esos años Enrique instauró la administración naval, construyó barcos, fundó la Casa Trinidad, mejoró puertos, levantó astilleros y almacenes. En 1521, secundado por “todos los eruditos de Inglaterra”, escribió una respuesta agresiva a Martin Lutero, que le valió el título de Defensor de la Fe, otorgado por el papa León X y empleado por sus sucesores hasta la actualidad. También fomentó el empeño de Tomás Moro para proveer una reserva de agua limpia y cloacas. Desde ¡a muerte negra la medicina había dejado de ser una prerrogativa de la Iglesia, con el consiguiente florecimiento de charlatanes e iletrados.

Parte del cambio del carácter de Enrique, sin duda, se debió a las preocupaciones que le causaba su divorcio de Catalina, ya que las discusiones se prolongaron seis años. La primera señal de desequilibrio apareció en 1531, cuando Enrique permitió que se promulgara una ley que castigaba al reo hirviéndolo hasta la muerte. Al menos tres personas fueron ejecutadas de esa manera, y el acta en cuestión fue abolida a los pocos meses de la muerte del soberano, por recomendación de los consejeros de Eduardo VI. En 1533 díctó la primera “acta de traición”, por la cual cualquier persona que dífamara su casamiento con Ana Bolena, o que tratara de perjudicar la sucesión, sería considerada culpable de traición, condenada a la horca o a ser descuartizada en vida.

El reinado del terror comenzó en 1534, con una indiscriminada matanza de luteranos, anabaptistas~ católicos y lollars. Esto fue seguido por una cruel ejecución del prior de Chaterhouse y todos sus monjes, y la decapitación de Tomás Moro y el obispo John Fisher.

El 17 de enero de 1536 Enrique sufrió una profunda herida durante una justa y estuvo inconsciente por más de dos horas, logrando una recuperación definitiva el 4 de febrero. Por entonces, su conducta hacia Ana Bolena era salvaje. Como cabeza de la Iglesia de Inglaterra habría podido divorciar-se de ella, pero prefirió condenarla a muerte y declarar bastarda a su hija. La represión en las abadías en 1538-1540 se caracterizó por la condena a la horca de cualquier abad o monje que se resistiera a mostrar sumisión. El vandalismo desatado, que provocó la destrucción de la mayor parte de las obras de arte, no habría sido tolerado por el brillante y culto joven estudiante que subió al trono en 1509.

Durante los años de represión Enrique sufrió continuamente de dolores de cabeza y garganta, insomnio y úlcera en la pierna. En mayo de 1538, a los cuarenta y siete años, se dice que estuvo un tiempo sin hablar con muy mal semblante, y su vida en gran peligro”. El embajador francés Castillon asoció ese ataque con la cicatrización de la fístula en su pierna. Por esta razón se ha sugerido que Enrique sufrió una embolia pulmonar por un coágulo de una vena varicosa. La pérdida del habla, sin embargo, está más asociada con un posible ataque de apoplejía.

En ¡539 apareció el Estatuto de los Seis Artículos, una notable pieza de legislación dirigida contra cualquiera que atentara contra la posición de Enrique como cabeza de la Iglesia en Inglaterra; los protestantes eran quemados como herejes y los católicos romanos, colgados como traidores.

La vacilante política del rey respecto de la extensión de la reforma religiosa probablemente reflejaba la influencia de sus esposas. No hay duda de que Enrique se avergonzaba de la fealdad de Ana de Cléves, presentada a él por el partido reformista que condujo a la caída de Thomas Cromwell, poniendo en peligro al mejor amigo de Enrique, el arzobispo de Cranmer, para terminar en una renovada persecución de los protestantes. La impresión que queda es que Enrique comenzó con la intención de reformar lo que era su propia iglesia y luego retrocedió, frente a las posibles consecuencias que podía acarrearle esa medida en el día del Juicio Final. En este punto se sugiere la evidencia de una mente dividida: una tratando de mostrarse a sí mismo como hijo leal a la Santa Madre iglesia; la otra, intentando manejar a la Iglesia según su propio deseo.

Enrique nunca perdió el control de los asuntos de Estado. De hecho, después de la caída y muerte de Wolsey en 1529, se inclinó por una monarquía absoluta más que constitucional. Tres años antes de su muerte dirigió en persona al ejército durante la guerra contra Francia y supervisó las medidas de combate. Aunque prematuramente avejentado, con el pelo blanco y muy obeso, conservó la capacidad mental y física hasta el final. Tampoco murió como iván, aterrorizado y sin sentido. Los relatos sobre su muerte varían y la verdadera causa permanece oscura, aunque murió pacíficamente, dándole la mano al arzobispo Cranmer, el único amigo que lo acompañó hasta el fin de sus días.

No existe un diagnóstico indiscutible en el caso histórico de la sífilis de Enrique VIII, pero ciertos indicios despiertan sospechas. Un estudiante de medicina moderno está entrenado en buscar las cosas simples antes que lo complicado. Si examinamos un niño de quince años que sufre temperatura alta, dolor abdominal y sensibilidad en el flanco derecho con cierta rigidez muscular, pensaremos en no excluir una apendicitis o peritonitis antes de considerar un tipo raro de enfermedad. A continuación, el estudiante debería hacer coincidir signos y síntomas en una entidad clínica, antes de decidir si el paciente sufre de dos o más afecciones. De igual manera debe ser considerada la historia de Enrique VIII.

El rey, sin duda, sufrió de varias dolencias menores, pero la historia médica, la historia obstétrica de sus reinas, la sospechosa muerte de su hijo Eduardo, ¡as incapacidades de su hija María, aun la leve miopía de Isabel, deben ser tenidas en cuenta en el diagnóstico. Todas pueden ser separadas describiendo distintas formas de dolencias que, al agruparse, proporcionan una evidencia más que sugerente. La sífilis fue una infección muy común a principios del siglo XV1 y no existe una buena razón para descartar que Enrique se haya librado de ella. Sea cual fuere la naturaleza de sus dolencias, o la combinación de ellas, ejercieron un profundo efecto sobre el futuro de Inglaterra. La incapacidad para producir una línea sana de varones fue el comienzo del fin de la dinastía Tudor, teniendo en cuenta que no hubo nietos legítimos o ilegítimos. La firme y eficiente autoridad de los Tudor dio paso al débil intento de los Estuardo, sumiendo al país en una guerra civil.

Después de la muerte de Enrique, Eduardo, de nueve años, accedió al trono bajo la tutela de la familia de su madre, los Seyrnour. Con su patrocinio, Eduardo lideró mejor que nadie a los protestantes. La expoliación de las propiedades monásticas continuó y la mayor parte de las tierras, tesoros y rentas fueron arrebatados por los ansiosos nobles. Había todavía un considerable afecto por la vieja fe. Los fanáticos iconoclastas del reinado de Enrique no eran queridos por el sucesor y su media hermana María procedió, con moderación, a restaurar a la Iglesia católica romana, quizá no con su antiguo poder pero sí como la religión oficial.

No hay duda de que María persistió en su política a pesar de las advertencias de su esposo, el católico Felipe II de España, y de que podría haber sido una honorable defensora de la fe pura contra la herejía. Pero, mentalmente insana, no escuchaba razones. Causó la muerte en la estaca de trescientos hombres y mujeres del pueblo en un período de tres años, con lo cual aseguró que la mayoría de sus súbditos considerara más diabólico al catolicismo romano que el paganismo. El ascenso al poder de Isabel I se produjo muy tarde y la llegada de la tolerancia religiosa fue impensable durante muchos años.

El efecto de la persecución de María es evidente aun en la actualidad. Todavía es difícil desentrañar muchos sucesos del siglo XVI porque la explicación dada por los escritores protestantes a menudo difiere de la versión de los católicos. Todavía hoy tenemos esos distantes fuegos, como brasas encendidas, en Irlanda del Norte